"Volver al futuro II" (1989).

-- "Back to the Future Part II" (título original en inglés), "Regreso al futuro II" (título en España). Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Robert Zemeckis.
-- Actuación: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, Elisabeth Shue, James Tolkan, Jeffrey Weissman, Crispin Glover (en imágenes de archivo), Flea.
-- Guión: Bob Gale, sobre una historia de éste y Robert Zemeckis, basados en los personajes creados por ambos.
-- Banda sonora: Alan Silvestri.

-- "Volver al futuro II" en IMDb.
-- "Volver al futuro II" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

Un suburbio de esos media-alta en Yankilandia. Todo está lindo, todo está bonito, todo... un momento... ¿en dónde está el conflicto en esto? ¿Y por qué debería interesarme? Ah, verdá, porque ESTA PELI DA POR SUPUESTO QUE VIMOS LA PRIMERA, vaya narcisismo el suyo Mr. Zemeckis... El caso es que de pronto FOGONAZO EN EL BARRIO y aparece un vehículo que es la MÁQUINA DEL TIEMPO, y Marty McFly con su chica que es su OTRA chica (Elisabeth Shue en vez de Claudia Wells, lo que es una lástima porque la Shue después se desató, pero en esos años tenía una carita de inocentona que no tenía el mismo morbo que su predecesora en el rol) van a ver, y resulta que es el Doc que va y les dice que DEBES VENIR CONMIGO PORQUE EN EL FUTURO TUS HIJOS ESTÁN EN PELIGRO. Y Marty McFly se sube al vehículo en vez de, no sé, digamos... que el Dr. les diga CUÁL es el predicamento en el futuro (bueno, en 2015... era el futuro en ese tiempo, ¿vale?), que diga cuál es el predicamento en el futuro, decía, almacenar la información, hacer de buen padre de sus hijos y guiarlos por el camino del bien y la rectitud, y una vez llegada la fecha fatídica, arreglar las cosas para que nada de todo lo malo que deberá (debió, 2015... er...) que deba suceder, nada de eso suceda. Y con Marty se sube la chica porque son los hijos de ella, a pesar de que A LA PRIMERA LA NOQUEAN, por lo que por supuesto para qué carámbanos la subieron en primer lugar (y si la jodía es una pimpollo incapaz de entender que su noviecito le gustan los saltitos en el tiempo, entonces POR QUÉ SIGUE LIADO CON ELLA, ¿verdá? En particular que ahora es E.S. y no C.W., para colmo). En fin, el caso es que llegan a 2015, el Doc le da a Marty algunas instrucciones para funcionar en el futuro, demasiado vagas por aquello de que no queda tiempo (en vez de, no sé, digamos, haber viajado un día antes y haberle hecho a Marty un completo curso instructivo acerca del futuro, o haberse tomado una semana en 1985 para... bueno, me entienden, ¿no?), y luego dejan a la chica del prota tirada en un basurero porque MACHISMO OCHENTERO y tal, y habiéndose desecho de la mina, los dos machorros van a vivir sus avent... er... ALERTA HOMOERÓTICA EN 3... 2... Ehm. Estas pelis ochenteras. Mejor sigamos. El caso es que van y vienen por el futuro, viven sus aventurillas y tal (joer, lo que se habría cachondeado el mentesucia de Alan Moore con too esto), arreglan too el futuro (que ellos mismos en el presente -en su presente, eso es- todavía podían haber evitao), y vuelven al present... er... al pasao de... o sea, al presente de 1985 pero que ahora es el pasao mientras que 2015 es el fut... ahora el pasao... er... ya me duele la cabeza. ¿En qué estaba? Ah, sí, lo voy a decir con fechas y así queda objetivo. Viajan del ahora pasado de 2015 al jurásico de 1985, y... ¿too resuelto? ¡No! Porque resulta que uno de los villanos HA CAMBIAO EL PASAO, y ahora 1985 es un infierno casi-casi como de peli posapocalítica italiana. Ahora, los protas van a tener que viajar a 1955... OTRA VEZ... para salvar el futuro, y... leñe, tanta historia paqué. ¿Por qué no mejor se van a vivir a 1945 y se compran una casita y se dedican a lo suyo como dos respetables solterones que trabajan, no sé, escribiendo o dibujando historias de SciFi, y listo? Ah, claro, porque con eso no habría tercera parte, y entonces Zemeckis y Spílber cómo se forran, ¿no?

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Resultó que, miren ustedes por dónde, esa peliculilla en la que nadie creía demasiado, "Volver al futuro", que se la dejaron hacer al Zemeckis después de "En busca de la esmeralda perdida", y cambiándole un refrigerador por un DeLorean y quiensá cuánto más (pero el romance intertemporal madre-hijo no, y es que los yanketas debajo de su pátina conservadora igual tienen sus perversillos, ¿eh?), resultó un éxito rotundo. Absoluto. En los Yueséi fue la peli más taquillera de 1985, superando a leviatanes como "Rambo II", "Rocky IV", "La joya del Nilo" o "Los Goonies". Y los exec hicieron lo que se hace en estos casos: sacar colmillos. Queremos secuela. Que fluya el dinero. WE WANT BLOOD!!! Además, la peli original terminaba con CONTINUARÁ, ¿verdá? (bueno, el TO BE CONTINUED se lo añadieron a la edición en VHS, pero... ya me entienden). Y Zemeckis dio la gran respuesta de toas: ¡pero es que metimos a la chica en la aventura, y QUÉ CLASE DE PELIMERDA SERÍA SI LA CHICA TIENE UN ROL DE AXIÓN EN VEZ DE DEJARLE TOA LA PEGA A LOS MASHOS!!! Pero bueno, con lápices y máquinascribir se arregla too, así es que... VAMOS DEJANDO INCONSCIENTE A LA CHICA PARA QUE NO HAGA NÁ, y asunto arreglao, rodamos la secuela, y listo. En el camino, Crispin Glover se puso pesao con eso de que PÁGUENME LO MISMO QUE A MIS COMPAÑEROS DE REPARTO, y los productores en respuesta: 1.- Lo bajaron, 2.- Contrataron a un lookalike para las escenas del futuro, y 3.- Lo mataron en el 1985 alternativo, y asunto arreglao masho porque YOU'RE PLAYING WITH THE BIG BOYS NOW. Y como no hay dos sin tres, éxito garantizao, ¿no?, rodaron las dos secuelas en un mismo paquete, "Volver al futuro II" y "Volver al futuro III", ayudaos en parte porque el guión original era tan grande que se podía partir en 2 fácilmente. Y a estrenar que son dos días. ¿Resultados? Tercera peli más taquillera de 1989 después de "Indiana Jones y la última cruzada" y "Batman", relativa aclamación crítica, y terreno abonado para la secuela que llegó en 1990. Además de terminar transformao en clásico de culto que, cuando llegó octubre de 2015, inundó el internete de memes porque es más importante festejar la llegada del futuro de Marty McFly que intentar cambiarlo en medio de la crisis de mierda que vivimos, si los frikis siempre serán los frikis y por eso no son exactamente una gran ayuda para cambiar al mundo, total, qué más dan las injusticias sociales si tienen CONEXÓN A INTERNÉ. Pero volviendo a "Volver al futuro II", ¿qué más se puede pedir? Ah, sí. Se puede pedir una peli CON ARGUMENTO. Digo yo.

¿POR QUÉ VERLA?

-- Lo diré de una. Al que le guste, bien. Al que no, que se joda. Que este es mi blog y en él maullo lo que quiero. "Volver al futuro II" simplemente no es una buena peli. Mala, tampoco. Aunque sea porque toda la artesanía funciona la mar de bien, los actores son carismáticos, tenemos a Alan Silvestri en sus mejores años como soundtrackista, y etc. Eso crea una peli OK, pero, ¿buena...? Definitivamente no. Es claro que los tipos intentaron un "El Imperio contraataca" aquí, una peli que sea una secuela-oscura, además sin un comienzo definido porque para eso está la primera entrega, y con un gran continuará que sirva para una tercera parte que cierre la franquicia blablablá (bueno, en la época, "El regreso del Jedi" había cerrado eso de Estárguar. No se sabía en ese entonces que vendría la trilogía precuela, ni menos que en 2015 no estarían exhibiendo en los cines Tiburón 19 sino "Star Wars: El despertar de la Fuerza". O "Avengers: La era de Ultron", ya puestos, porque, en 1989... ¿pelis Marvel? ¡¡¡GUAJAJAJÁ, ME PARTO DE RISA!!!). El problema es que la cosa se queda en puras intenciones, porque lo que los guionistas de "Volver al futuro II" no entendieron, es que "El Imperio contraataca" sí funciona porque, a pesar de ser la peli sánguche entre "La guerra de las galaxias" y "El regreso del Jedi", tiene una orgánica interna marcada por la historia de Luke Skywalker creciendo desde un joven aventurero hasta un hombre sabio y asentado vía enfrentamiento al Lado Oscuro (y pérdida de mano, etc., ya sabemos cómo se las gastan en estas pelis). "Volver al futuro II" en cambio no tiene una historia orgánica interna: es sólo un montón de cosas que pasan y ya, y luego de resolver su tercer arco argumental (porque tiene tres: el 2015 con el asunto de los chicos, sobrevivir en el 1985 alternativo, y el regreso a 1955), no pasan al cuarto arco sólo porque ya van en la marca de las dos horas y algo hay que dejar para la tercera. "Volver al futuro II" lo mismo podía haber sido una miniserie para la TV en tres episodios, désas que se estilaban en los '80s, y, pues, no hubiera pasao ná, masho. Para colmo, las tres historias tienen un interés que gira entre el algo y el mínimo. La historia de 2015, expandida, hubiera dado mucho jugo de sí (aunque, claro, hoy en día nos partamos la caja de risa con los pobres weones exigiendo su SKATE ANTIGRAVIDÁ, pero joer, un poquito de humor, o qué peli del futuro ha predecido exactamente cómo iban a ser las cosas, ¿eh?), pero la cortan abruptamente a los 30-45 minutos. El 1985 alternativo tiene su punto de interés, pero es un mundo tan distópico merda, que rompe con el carácter más bien ligero de la franquicia en su totalidad (porque, vamos, ver a Lea Thompson con relleno no deja de tener su punto morboso, aunque no pillemos bubis como en "Howard el Pato", pero, ¿una peli para niños en donde el villano se baña con mujeronas semimpelotas dentro de un jacuzzi...? Joer...). Y luego, como grande finale, tenemos el regreso a un 1955 que (aprendimos después) fue hecho por peseterismo porque en el original iban a viajar a la época hippie, lo que hubiera insuflado nuevo aire, pero después dijeron que no, que las pesetas, así es que volvamos al escenario de "Volver al futuro", con lo que terminaron de neutralizar una peli, porque vale que "Volver al futuro III" es casi un remake de la primera en clave de Western con toques de Steampunk, pero es que aquí ya ni de remake hablamos, sino simplemente de rizar el rizo respecto de las secuencias de la primera, crear paradojas temporales de órdago (como si la primera ya no las tuviera, porque joer, ¿los protas ven a Marty McFly adolescente y después al tener un hijo y verlo crecer, no se dicen a sí mismos que leñe, cómo se parece este tipo, en particular después de enterarse de que anda con un científico loco que a saber qué experimentos tira para afuera y tal?), y en general, convertir todo el espectáculo que ya desde el 1985 alternativo temblequeaba sobre sus patas, en una cosa pegá tipo chicle-en-el-zapato a la primera. O sea, hasta el minuto más o menos podías ver "Volver al futuro II" sin ver la primera, pero es que a partir del regreso a 1955, si no has visto la primera puedes entender el argumento, sin duda, pero es imposible que le pesques la gracia. Al final, después de dos horas de metraje, terminas descubriendo que todo lo anterior no fue más que una ENORME y fatigosa preparación para "Volver al futuro III". Por supuesto que los frikis que nacieron finales-70s-tempranos-80s, felices con los memes 2015 de tipo "HOY VIENE MARTY MCFLY DESDE 1985 EN VOLVER AL FUTURO II", pero, joer, nosotros esperamos un poquito más del cine en general. Así es que, ¿vale la pena "Volver al futuro II"? Probablemente no. Si la franquicia se hubiera detenido ahí, ya podías irla saltando. Pero después vino "Volver al futuro III", peli que sí vale mucho la pena de ser vista, pero para llegar hasta ahí, tienes que atravesar por... esto. Como decíamos, "Volver al futuro II" se redime por unos buenos valores de producción y algunos momentos de ingenio, que los tiene, no diré que no, además de evitar el cliché tan ochentero-noventero de "rehagamos la primera peli pero cambiemos el escenario y nos queda lo mismo pero con menos gracia", pero eso le da como para conseguir el aprobado y raspando. Es por eso que "Volver al futuro" es un clásico del cine ochentero y probablemente del cine en general, y "Volver al futuro III", sin tener el mismo estatus icónico, sigue siendo una peli de aventuras muy solvente, mientras que "Volver al futuro II" es... la peli de entremedio y el generador de memes, y poco más. O si no, piénsenlo: si sólo se hubiera rodado una peli de esta trilogía y nada más que una, "Volver al futuro" se sostiene sola (de hecho, tenía que hacerlo, era la primera y única, ¿no?) y lo mismo "Volver al futuro III". ¿"Volver al futuro II"? Ni en 1989, ni en casi ningún 1989 alternativo que ande dando vueltas allá afuera.

IDEAL PARA: Sentarse a la espera de la tercera parte y (por ahora) final de la franquicia.

"Terror a bordo" (1989).

-- "Dead Calm" (título original en inglés), "Calma total" (título en España). Australia. Año 1989.
-- Dirección: Phillip Noyce.
-- Actuación: Nicole Kidman, Sam Neill, Billy Zane, Rod Mullinar, Joshua Tilden, George Shevtsov, Michael Long, Lisa Collins, Paula Hudson-Brinkley, Sharon Cook, Malinda Rutter, Benji (no ESE Benji).
-- Guión: Terry Hayes, basado en la novela de Charles Williams.
-- Banda Sonora: Graeme Revell.

-- "Terror a bordo" en IMDb.
-- "Terror a bordo" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

En uno de esos montajes fragmentados, como que alcanzamos a adivinar que la Nicole Kidman está medio pa'llá. Lógico, ella iba conduciendo, accidente automovilístico, y el kid se le muricia. ¡Ah!, pero el marido es oficial de Marina o algo así (se lo ve con un uniforme bien pintoso al gil, que por cierto es Sam Neill, como veinte años mayor que la Kidman), y dice que "vámonos al mar, allá hay aire fresco, ya vas a ver que se te olvidará nuestro crío muerto como un mal catarro", blablablá. Y entonces... ¿salen a navegar, ella hace algunos pucheritos, regresan y acá no ha pasao na, masho? Por supuesto que no, qué clase de pelimerda sería ésa, acabaría en como quince minutos, ¿no? Así es que, veamos, qué le hacemos para seguir traumando a la muchacha... ¡Ah, ya sé! En mitad de alta mar se encuentran con lo que parece una nave varada. Incluyendo a un tipejo que rema-que-te-rema. Too musculoso el tipejo, en concreto Billy Zane hecho un crío (bueno, la Kidman también. El único que se ve como siempre, porque ése parezque nació vejo, es el Neill ése). El caso es que lo recogen, y el Billy Zane les dice que la nave en la que venía está haciendo aguas, y toda la tripulación está muerta por envenenamiento destoquello. El Sam, como que no se lo traga mucho, y decide tomar la decisión más racional de todas: encerrar al tipo por si las moscas, y dejar atrás a su señora mientras él se va a explorar en vez de, digamos, mandar a la señora a explorar y quedarse él con el tipo (joer, oficial de la Armada, uno podría suponer que iba a saber mejor). Nada más llegar a la otra nave, que parece que sí está yéndose glugluglú, se encuentra con unos cuerpos muertos cadaveritos que, de estar muricidos lo están, pero con heridas muy poco compatibles con un envenenamiento destoquello (salvo que hayan muerto o hayan regresado como zombis, eso es. Pensándolo bien... hubiera pagado por ver esa peli). Y mientras tanto sucede lo inevitable (o no habría peli, claro está). Que el Billy Zane se suelta, sobrepasa toda posible resistencia de la Nicole Kidman (incluso AQUELLA, andando el metraje eso sí, en una de las raras ocasiones en que Nicole Kidman nos ha regalado escena de ALEGRÍA TOTAL DEL CUERPO), echa a andar la nave, y deja al Sam Neill varado en la otra. El drama de la chica para sobrevivir al que, se ha revelado ahora, es un asesino sicópata de los wenos, de los que te meten cuco y tal, ha comenzado.

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Hubo una época en donde Australia era POTENCIA FÍLMICA QUETECAGAS. El gobierno de Australia hizo... (neoliberales, taparse los oídos aquí) ...financiamiento para ayudar a su industria fílmica, y el resultado es que durante cerca de dos décadas, los '70s y '80s, Australia se transformó en un macizo cinematográfico ("Mad Max" y secuelas, y "Cocodrilo Dundee" siendo las más conocidas, probablemente). Gracias a la Nueva Ola Australiana es que el mundo descubrió los valores de... ¡Sam Neill! ¡Nicole Kidman! ¡Mel Gibson! y... Paul Hogan, sí, ése. Y entre los directores, varios que después hicieron lo que tantos directores internacionales, o sea, saltar a Jólivu y hundir sus carreras en el sumidero, como Bruce Beresford ("Conduciendo a Miss Daisy") o Peter Weir ("Testigo en peligro"). Y Phillip Noyce. Tipo que había dirigido algunas pelis con más reputación académica que éxito de taquilla, hasta que su gran momento llegó con "Terror a bordo". Que lo llevó a rodar ese remake de Zatoichi que es "Furia ciega", luego "Juegos de patriotas"... y luego, ya se la saben... el despeñadero ("Sliver", "Peligro inminente", "El Santo", "El coleccionista de huesos"). Pobre hombre, otro que vendió su alma a Hollywood a cambio de asados con piscina, esperemos que con chicas en bikini para que la cosa valga la pena. Digo yo. El caso es que para efectos, adaptó una novela del novelista Charles Williams. No Charles Williams el Inkling, aclaremos. Existe un Charles Williams que era amiguete de Tolkien y Lewis en el pub en donde so pretexto de leerse cuentitos con hadas y duendes, le daban el bajo a cerveza sí y cerveza también. Bueno, ese Charles Williams NO. Este es OTRO Charles Williams, que escribía novelitas de ésas de novelita negra (la otra adaptación fílmica suya somewhat conocida es "La zona caliente", famosa hoy en día en lo principal por una brevísima escena en donde una jovencísima Jennifer Connelly hace destape mamario... sí, es ESA clase de novelista). El caso es que adaptaron una novela suya y la hicieron esta peli. La cosa no funcionó demasiado bien en taquilla (con un magro presupuesto de 10 millones, ni siquiera recobró los costos), aunque quedó para la posteridad como clásico de culto. Además de ser la peli que le abrió a Nicole Kidman... un montón de roles de mierda, eso es, porque la chica en los '90s hacía porquería sí y porquería también (¿"Batman Forever", alguien?), y la mejor del montón no la vio nadie ("Todo por un sueño"). Que tuvo que separarse de ¡¡¡TOM!!! para empezar a hacer pelis con dignidad, porque ya sabemos lo que le pasa a las chicas que se meten con ¡¡¡TOM!!! (Mimi Rogers, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Katie Holmes... joer con el hombre, qué manera de fregarle la carrera a sus chicas). En fin, la peli quedó como eso, y además como el último gran ejemplo y exponente de la Nueva Ola Australiana, que ya en los '90s decaería vaya uno a saber por qué (bueno, porque Jólivu se robó a algunos cuantos directores y actores, por una parte).

¿POR QUÉ VERLA?

-- "Terror a bordo" es de esas pelis minimalistas que funcionan potenciando al máximo los pocos elementos que tiene. Apenas tres personajes (el resto de los actores acreditados aparecen o en la breve secuencia de prólogo, o... en videotape a bordo del yate siniestrado, estilo Lisa Boyle en "Carretera perdida"... ¿estilo quién, dice usté mi General? Eh... no importa, sigamos adelante), apenas tres personajes, decía, y una locación que es el yate (bueno, dos, el yate de la pareja prota y el yate yéndose a glugluglú). A partir de estos poquísimos elementos, Phillip Noyce se las arregla para construir una peli tensa y con bastante empaque. Sam Neill es quizás el más débil del grupo, en parte porque siempre ha tenido un estilo algo mortecino para actuar, que en otras partes funciona de maravilla, pero acá no tanto. Billy Zane por su parte (el villano de "Titanic", leñe. Y también de, hehehé... "El Rey Escorpión 3". Tenía que mencionarlo, es que soy un cabrón. Pero que en la época era conocido, y "conocido" es por usar alguna palabra, como uno de los matones de Biff en "Volver al futuro") compone un sicópata realmente creepy, con el que de verdad no te darían ganas de estar en un yate o en ninguna parte. Nicole Kidman, ella... buenoooooo... No está mal (en particular cuando aparece en gloriosa pelota picada, ehm). Pero podría estar mejor. Su personaje es bastante rico y lleno de matices (en algunos tramos de la peli se insinúa que a pesar de que estar siendo sicopateada, igual la ponen los malotes), pero ella como que no consigue dar del todo en la tecla. El desarrollo mismo es bastante sencillo, pero al mismo tiempo potente, acompañado por Graeme Revell en su primerísimo soundtrack, un poquito más desatado que su trabajo posterior. La única gran pega es un final quizás demasiado Jólivu. La cosa iba por el derrotero del thriller psicológico, y al final acaba con una escena de gusto a psycho-killer que desentona visiblemente del resto (parece ser que la peli cerraba antes, de manera redonda, y le metieron un pegote de 3-5 minutos finales porque en los pases para el público, al respetable la cosa sicológica como que los dejó fríos... y el pegote final SE NOTA. Y bastante). Queda la sensación de que "Terror a bordo" podía haber sido incluso más dura y sórdida (es inevitable que la premisa recuerde en cierta medida "Cuchillo al agua" de Roman Polanski, por ejemplo). Por desgracia, la peli no quiso seguir el camino en su totalidad. Aún así, garantiza suspenso y tensión. Que es probablemente lo que le estábamos pidiendo desde el minuto 1, por supuesto.

IDEAL PARA: Ver un thriller psicológico bien empaquetado.

"Vacaciones de Navidad" (1989).

-- "Christmas Vacation" (título original en inglés), "National Lampoon's Christmas Vacation" (título alternativo en inglés), "Vacaciones de invierno" (título en México), "¡Socorro! Ya es Navidad" (título en España), "¡SOS! Ya es Navidad" (título alternativo en España). Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Jeremiah S. Chechik.
-- Actuación: Chevy Chase, Beverly D'Angelo, Randy Quaid, Juliette Lewis, Johnny Galecki, John Randolph, Diane Ladd, E. G. Marshall, Doris Roberts, Miriam Flynn, Cody Burger, Ellen Hamilton Latzen, William Hickey, Mae Questel, Sam McMurray, Nicholas Guest, Julia Louis-Dreyfus, Brian Doyle-Murray, Natalia Nogulich, Nicolette Scorsese, Devin Bailey, Jeremy Roberts.
-- Guión: John Hughes.
-- Banda Sonora: Angelo Badalamenti.

-- "Vacaciones de Navidad" en IMDb.
-- "Vacaciones de Navidad" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

En la carretera, los Griswold viajan... bueno, hacia alguna parte. Los cuatro de ellos: el traficante de aditivos para alimentos que es el patriarca familiar (Chevy Chase), la buenorra de su señora (Beverly D'Angelo, seis años después de su primera aparición en la franquicia, todavía buenona a pesar de que después de la primera ya no hizo topless nunca más), el hijo (¡tercera peli en la franquicia y tercer actor a bordo, y además MÁS JOVEN QUE LOS OTROS DOS QUE INTERPRETARON EL ROL! Ah, se llama Johnny Galecki), y la hija (¡joer, sí, ella, JULIETTE LEWIS HECHA UNA CRÍA!). El caso es que viajan a causar destrozos a alguna parte porque, bueno... el pater familias de esta franquicia tiene la fijación obsesiva de requetecontrabusar de su familia imponiendo SU manera en que deben celebrar vacaciones, y este año no va a ser diferente. La cosa es celebrar una Navidad TRADICIONAL. Aunque eso signifique, pues, masacrar un triste e indefenso árbol de Navidad, ustedes los humanos malparidos, métanse con una criatura viviente que se pueda mover, bípedos tenían que ser para ser tan cobardes. El caso es que después de casi desbarrancar el automóvil por meterse con quien no debe (a saber, otro conductor de vehículos que es un poco grosero en la ruta), al final logran encontrar un árbol. Grande. Hermoso. Majestuoso. La clase de árbol que maldita sea la jodida si es que puede meterse y cabe en un salón de casa yanki. Punto en el cual... el tipejo éste descubre que NO HA TRAÍDO UN SERRUCHO. O una sierra eléctrica, ya puestos. No importa, arrancamos el árbol de cuajo y con raíces y too, qué tanto puede importarle a la p*** Madre Naturaleza, que ella empezó mandando ciclones, erupciones volcánicas y la leucemia felina, ¿no? Y tenemos a los Griswold de regreso a... ¿joer, a la casa? ¿Al hogar? ¡¡¡PERO SI EL GRUESO DEL HUMOR DE LA FRANQUICIA ES VER A LOS GRISWOLD CONVERTIDOS EN UN ÁREA DE DESASTRE AMBULANTE, YENDO A JODERLE LA PITA A CUANTO UNTERMENSCH SE LE PONGA A TIRO EN ESTE DESGRACIADO MUNDO!!! Y ahora vamos a tener una peli en donde vamos a ver a los Griswold en el hogar... Leñe, questa peli va a ser muuuuuu pero que muuuuuu largaaaaaa...

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

El díptico formado por "Vacaciones" y "Vacaciones en Europa" se transformaron en clásicos instantáneos de la comedia ochentera. Bueno, más la primera que la segunda. Bueno, la primera del todo y la segunda como que no. Pero no hay segunda sin tercera, así es que a rodar la tercera parte de la duología porque, bueno, por qué no. Una vez más le encargaron el guión a John Hughes. Este decidió regresar a las raíces. Si "Vacaciones" se había inspirado en un relato propio y había resultado un éxito, y "Vacaciones en Europa" había corrido por libre y la cosa no había funcionado tan bien, entonces, de regreso a los relatos propios. Porque al relato original, John Hughes había escrito una secuela. De manera que la segunda parte de la franquicia, er... "literaria", se transformó en la tercera parte de la franquicia fílmica (bueno, después vendrían "Vacaciones en Las Vegas", que no hemos visto pero que todo el mundo considera un desastre, hasta la gente que no la ha visto, "Las locas vacaciones del primo Eddie" que es un spin-off sin Chevy Chase, lo que siempre es de agradecer, más un corto adicional que tampoco ha visto nadie... y "Vacaciones" de 2015 que al momento de escribir esto parece que TAMPOCO la ha visto nadie, y eso que se estrenó en cines la cosa). Aunque fue recibida como un poco a medias, andando el tiempo "Vacaciones de Navidad" se transformó en un pequeño clásico navideño, y no faltan las voces que la consideran la mejor de la franquicia, incluso mejor que la "Vacaciones" original, figúrense. Y curar el cáncer no porque... bueno, vaya uno a saber por qué. Aunque déjenme hacerles una advertencia. El que compone la banda sonora es un Angelo Badalamenti pre-"Twin Peaks" (sí, pusieron a musicalizar esta comedia al mismo tipo que creó la música para "Sinfonía Industrial Nº 1"). Y es la primera perla en el currículum de Jeremiah S. Chechik, que después nos regaló insignes atentados fílmicos como "Diabólicas" y "Los Vengadores" (la de 1998 con Uma Thurman, Ralph Fiennes y Choncóneri, no la de 2012, ojito). Ya saben en lo que se meten.

¿POR QUÉ VERLA?

-- Algunos consideran que "Vacaciones de Navidad" es la mejor de la franquicia, es tierna, conmovedora, qué se yo. Joder con la gente, qué suerte ustedes tienen a vuestro seguro servidor el General Gato para iluminar sus vidas, qué harían ustedes sin mí (bueno, tirarse debajo de un puente lo dudo. Aunque sentirían la tentación en un mundo tan vacío y triste como el que quedaría después de mi partida). Porque "Vacaciones de Navidad" tiene un montón de cosas que tratan de ser humorísticas, pero como que no lo son. Partamos por la dinámica familiar. La fuente principal de conflicto y humorismo era el lunático padre chantajeando emocionalmente a su familia con sus andares de hombre-infantil para obligarlos a hacer cosas, con la complicidad pasiva de la señora (hasta que ella se cabrea, eso es) y la resistencia inútil de los chicos, hasta que las cosas salen espectacularmente mal y el pater merda recibe su merecido (o más o menos). En definitiva, parte del humor era reirnos de ese grupo de desgraciados salidos del tazo que son los Griswold, una familia Simpson antes de que existieran los Simpsons (bueno, sin Lisa. Y con un Bart más salido). Acá en cambio, tratan de darle al pater familias una motivación de tipo "awww, tiene su corazoncito, por eso quiere darle buenas navidades a su familia", justificando así todas las marranadas que se manda el tipejo desagradable. Ni "Vacaciones" ni "Vacaciones en Europa" trataban a Clark Griswold como un héroe (tampoco como un villano... antihéroe quizás sea la mejor expresión aquí) y buena cuota del humor partía de eso. Acá en cambio hay como un intento de ennoblecer al personaje, como si en realidad la serie de desastres que ocurren no fuera su culpa sino la de todo el resto (que admitámoslo, a veces pueden ser una espinilla en el culo de desagradables, pero eso no es excusa). A partir de ahí, ciertas cosas como que no encajan. No es la primera vez que Clark Griswold trata de hacerse el lindo con una chica a espaldas de su señora, por ejemplo (en "Vacaciones" era con Christie Brinkley la cosa, y quién podría culparlo, mientras que aquí es con Nicolette Scorsese), pero lo que en "Vacaciones" era presentado como una frescura absolutamente fuera de tiesto, aquí se presenta como una muy perdonable ensoñación romántica blablablá. No-pues, usté tiene a una señora en la casa que 1.- está bomba por toas partes la vieja, y 2.- le perdona todos sus desaguisados con una amplia y resignada sonrisa, así es que 3.- DÉJESE DE HUEVÁS, HOMBRE. No debe ser casualidad que la peli trate de que simpaticemos con Clark Griswold cuando le cae encima el inefable Primo Eddie para crear una serie de desastres, y en cambio el Primo Eddie (rarezas y tonteras aparte) termine robándose la función y siendo el más querible de los personajes (y cuando al final de la peli, SIN SPOILER AQUÍ, el Primo Eddie va y trata de hacer algo para mejorar la Navidad, no sólo es descalabrante para partirnos de risa, sino que además hasta hacemos barra por él y too, porque joer, por mucha que sea la burrada, eso es un primo y no... bueno, no otros primos que rondan por ahí). Otro minuto es el asunto de las luces navideñas: se supone que sintamos pena por Clark Griswold por no poder encenderlas, pero ná, joer, el tío es un incompetente, cómo vamos a apiadarnos de él. O tenemos la pareja de vecinos que, sí, son unos pesaos, sí, son unos snobs, sí, son insufribles, y que por lo tanto, fiel a la tradición de esta clase de peli, terminarán transformados por base regular en blanco de cada barrabasada que se manda el jodío Clark Griswold, AUNQUE SI USTED ANALIZA DETENIDAMENTE LA PELI, SE DARÁ CUENTA DE QUE LOS JODÍOS VECINOS A LO LARGO DE TODA LA PELI NO LE HACEN ABSOLUTAMENTE NADA A LOS GRISWOLD, aparte de arriscar la nariz con asco, eso sí, pero es que óigale, eso ni para pecado venial cuenta, que hay que ser un poquito más tolerantes en este mundo, caramba. Y en lo que ya es una tradición dentro de la saga, Clark Griswold pierde un poquito el seso y se manda una barruntada sicótica en donde SEGUIREMOS ADELANTE CUESTE LO QUE CUESTE Y SEREMOS FELICES CUESTE LO QUE CUESTE, sólo que en este caso no es gracioso sino creepy, todavía más cuando así por así, arregla una baranda de la casa CON UNA SIERRA ELÉCTRICA. Después de todo eso, cuando al final la familia encuentra su espíritu navideño y tal, como que el panorama es demasiado deprimente y esos infraseres son demasiado poco merecedores como para que simpaticemos con espíritu navideño. Yo por lo menos me hago pagano antes de... er... no, mi querida y adorada Bastet, no lo decía por mi Diosa Gata Reina del Universo. Y, er, hablando de gatos... cuando la peli trata de imitar al perro de "Vacaciones" metiéndonos un gato, pero si el perro de "Vacaciones" era un desgraciao insufrible y por lo tanto no da mucha pena lo que ocurre con él (cruel y too, inmerecido por excesivo, pero tampoco es que lloremos mucho por el jodío caniche), mientras que el gato de la familia aquí... bueno, no hace nada particularmente malo o cruel, que este gato no es el jodío Mr. Jynx de "La familia de mi novia", de manera que las desgracias que le llueven al pobre michu son completamente injustificadas. Y cuando al pobre gato lo electrocutan en cámara (bueno, no, el gato está debajo de un sillón, pero el chispazo se ve), llega el momento de abandonar oficialmente la peli. Y quizás la saga, considerando lo que dicen de "Vacaciones en Las Vegas". O quizás no. Después de todo, en "Vacaciones en Las Vegas" me reemplazaban a Juliette Lewis por la ricurita de Marisol Nichols. Quizás no defeccione, después de todo. Total, ¿cuántos gatos pueden electrocutar esos malparidos en "Vacaciones en Las Vegas"...? (De "Vacaciones" de 2015 no hablamos, ni la hemos visto ni tenemos intenciones. Aunque, conociéndome...).

IDEAL PARA: Gente que ha venido siguiendo la saga de las dos entregas anteriores, bobalicones que tengan muchas tragaderas con eso del "espíritu navideño" y tal.

"Tango y Cash" (1989).

-- "Tango & Cash". Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Andréi Konchalovski, reemplazado por Albert Magnoli sin acreditar.
-- Actuación: Sylvester Stallone, Kurt Russell, Teri Hatcher, Jack Palance, Brion James, James Hong, Marc Alaimo, Philip Tan, Michael J. Pollard, Robert Z'Dar, Lewis Arquette, Edward Bunker, Leslie Morris, Roy Brocksmith, Susan Krebs.
-- Guión: Randy Feldman.
-- Banda Sonora: Harold Faltermeyer.

-- "Tango y Cash" en IMDb.
-- "Tango y Cash" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

Carretera abierta, Yueséi, el sitio ideal para... un camión avanzando en medio de la nada listo para ser perseguido por un tipejo que no es chupimacarra sino que es EL CHUPIMACARRA de todos, porque es... ¡¡¡SYLVESTER STALLONE!!! Y para hacerlo más chupi todavía... ¡¡¡ES SYLVESTER STALLONE USANDO LENTES!!! El caso es que Silvestre Talones solito para el camión a balazo limpio, y cuando aparecen los polis, viene el consabido "¡¡¡ESTÁS SALTÁNDOTE LAS LEYES, ÉSTA NO ES TU JURISDICCIÓN, TENEMOS UN MALDITO REGLAMENTO, BLA-BLA-BLA!!! Y cuando abren el camión y encuentran gasolina, va el Sylvester porque es mucho Silvestre y le pega seco balazo. Y no, no explota porque, ya lo dijimos, Sylvester es mucho Sylvester. Y lo que llueve del balazo no es gasolina, lo que llueve... nieva, mejor dicho. Les daré una pista. Es de color blanco, y es una peli '80s. El caso es que Sylvester es tan Sylvester, que va el malo pasando por el ladito y sin que nadie lo vea (sin que nadie pare la limusina) y diciendo un diálogo que parece sacado de los Superamigos. O peor, escrito por el mismo guionista que nos regaló la perla de catchfrase que era "¡Estos Imposibles son Imposibles!" (no, no es el mismo guionista. El de ésta es uno del que a duras penas consiguió evitarse que le dijeran "no volverás a trabajar en este pueblo otra vez"). Y premio al vejete que recuerde la referencia de los imposibles que son imposibles. En fin, seguimos. El caso es que el villano dice que el Sylvester y otro tipejo llamado Kurt Russell son su espina en el zapato, su tuerca en el plato de lentejas, su tubo de vaselina vacío en la orgía, así es que va y dice que montará un diabólico plan diabólico para estoquello. Pasamos a otra secuencia de acción en donde Kurt Russell sufre un intento de asesinato, capturan al malo, y Kurt se las arregla para (pasando las inevitables protecciones policiales, claro, es una peli '80s, y qué sería un cop de peli '80s si no hubiera burócratas obstructivos arriba del jovencito) interrogar al compa're tipo Jack Bauer, y le saca la información de que habrá una operación así-asá-asabulán. El caso es que por canales distintos, Sylvester Stallone y Kurt Russell llegan al mismo lugar (no se conocen previamente, esta es una de esas pelis de "orígenes del personaje" o de la dupleta en este caso, en lo que a ratos huele como "vean esta peli, porfavorcito plis-plis-plís, que queremos montarnos una humilde franquicia aquí, ¿yaaaaaa...?"), y se encuentran con... un agente covered-up del FBI, fiambre. OH-CRAP. Toda la evidencia apunta al par de policías, y los mandan a la cárcel. ¿Qué viene después? Fuga - Limpiar el nombre - Masacrar a los esbirros - Masacrar al villano. Eso es. Ya saben de qué clase de peli estamos hablando, después de todo.

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Todos sabemos que uno de los géneros más agradecidos del cine '80s es la action-movie over-the-top. En realidad la vara ya había empezado a ascender desde los lejanísimos '60s, con James Bond presentando un jovencito que NO SE ESFUERZA EN SALVAR AL VILLANO EN EL TIROTEO FINAL ("El satánico Dr. No"), y luego con Harry Callahan más pasado para la punta presentando un jovencito que NO LUCHA CONTRA EL MAL SIGUIENDO EL MANUAL ("Harry el Sucio"). ¿Qué faltaba? Pues salir de la acción urbana/exótica e ir al Ubermensch. Hablamos de Arnold Schwarzennegger, de Sylvester Stallone, de Chuck Norris, de Charles Bronson, y en menor medida de Kurt Russell y otros. Uno podría decir que la parodia gamberra a ese tipo de cine es algo moderno y teñido por la nostalgia, estilo "The Expendables 2", pero créanlo o no, ya a finales de los '80s mismos había esfuerzos por moverse en esa otra dirección, en la de llevar la acción al máximo con propósitos subliminalmente paródicos. 1987 fue el año. Ya saben: "Arma mortal" por un lado, "Duro de matar" por el otro, con dos héroes semiparódicos como son Mel Gibson y Bruce Willis. Aunque todavía eran parodias indecisas, y hoy en día tiende a vérselas más como vehículos de la acción ochentera hecha de manera seria y directa, que como los elegantes cachondeos cómplices con la audiencia que más o menos era el plan original. Para la primera deconstrucción definitiva del género habrá que esperar hasta la imperfecta pero aún así subvalorada "El último héroe en acción". Pero entretanto, para que no nos quedemos sin nuestra ración, tuvimos "Tango y Cash". Peli que debería haberse forrado, porque leñe, Sylvester Stallone y Kurt Russell. Pero no lo hizo. La producción fue increíblemente complicada. O sea, pasó lo de siempre en Hollywood. Traes a un director de acción percutante como Andréi Konchalovski (que unos añitos antes nos había regalado la magnífica "Escape en tren"), y luego lo pones a parodiarse. Y luego, cuando el ruso demuestra tener demasiada dignidad, lo echas a patadas y contratas a un paniaguado. Todo eso, sobre un guión que el día 1 del rodaje ni siquiera estaba listo (eso debe explicar la penosa alusión a la típica escena "James Bond meets Q"). Con un Sylvester Stallone que era el único interesado en que la cosa saliera avante con algo de dignidad (y con razón, porque estaba en el inicio de esa racha que todos tan bien conocemos: "Yo el Halcón" fue un fiasco, "Rambo III" no funcionó como debería haber funcionado, y "Condena brutal" fue un desastre de taquilla, inmerecido eso sí), porque de lo contrario, si la cosa fracasaba, iba a terminar haciendo cosas como "Oscar" o "Para o mi mamá dispara"... Bueno, de aquí Stallone fue derechito al set de "Rocky V", y salió como salió: se cargó durante década y media su otra franquicia, después de haberse cargado a Rambo por casi dos. Entre medio, como decíamos, "Tango y Cash", que con todo este enmarcado cronológico ya le pueden ir tomando las medidas. Porque, vamos... jerifaltes de Hollywood, esa no es la manera de hacer las cosas. Que luego se quejan de que un presupuesto de 35-40 millones se les encarama a los 55 (que en esa época era una ultracatapultósfera de plata, y si no, comparen con los ¡48 MILLONES! que costó "Indiana Jones y la última cruzada", la peli más taquillera del año, o ya dentro del género de acción, los 25 millones que costó "Arma letal 2" ese mismo año). Y de que la peli recauda 63 millones, apenas recobrando lo que costó. El mismo año en donde la mencionada "Arma letal 2" hizo 227 millones en la boletería, empinándose al sexto lugar de la taquilla. La peli después cayó tan en el olvido, que figúrense que el soundtrack fue recién lanzado... en 2007, en una era en donde ya los CDs los compraban las abuelitas ésas que no terminan de engancharse a l'era digitá, de regalo pa' sus nietecitoh. Espero que hayan despedido a alguien por esto. Y por despedido, me refiero al modo de la escena final de "Robocop", eso es.

¿POR QUÉ VERLA?

-- Ya hemos reseñado en algo lo problemático del rodaje de esta peli, en donde los productores creían saber demasiado y terminaron justamente castigados en donde duele, en los bolsillos. El problema es que la peli misma se resiente de esto. ¿Es una peli de acción OVER-THE-TOP, el no va más del no va más de la acción, o es una parodia de una peli de acción OVER-THE-TOP, del no va más del no va más de la acción? La peli nunca se termina de decidir del todo, y sufre por ello. Por un lado, como peli de acción se queda más o menos corta porque es imposible tomarse el argumento en serio (no ayuda, claro, la interpretación tipo Looney Tunes de Sylvester Stallone, de Kurt Russell, y de ¡Jack Palance! como villano, con los mismos manierismos que ese mismo año exhibió en "Batman"). Por el otro, como parodia simplemente no es graciosa o no alcanza a morderse la cola. El negocio de la parodia por el recurso de llevar la cosa a lo más de lo más es difícil, porque si se hace mal, mucha gente puede confundir la parodia con the real thing. Como acá, por ejemplo. Compárese "Escape en tren", del mismo director, con "Tango y Cash". La otra peli era un percutante thriller con personajes desarraigados luchando por sobrevivir en medio de una naturaleza agreste y a bordo de un leviatán de metal que eran sendas metáforas de la condición humana de desterrados del paraíso. Acá en cambio tenemos a dos cops envueltos en un diluvio de diálogos que no son nada salvo líneas molonas, en una trama cliché, y lo que es peor, con villanos de opereta y escenas de acción sin excesivo interés más allá de la traca final, resultona en lo suyo pero tampoco lo más de lo más. Frente a eso los escasos méritos de la peli (una Teri Hatcher pre-Lois-Lane y muuuuuu rica, lo gracioso de ver a Kurt Russell poniéndose a sí mismo en ridículo vistiéndose drag-queen, un Harold Faltermeyer que si yo no te digo quién hizo la banda sonora no te enteras porque cualquier parecido con la musiquita de "Un policía suelto en Hollywood" o "Top Gun" es pura coincidencia). Si tuviera que definir en una línea esta peli, diría que es "Arma mortal", pero en malo. La misma dinámica, del poli zafado versus el poli por-el-manual, la misma intención de hacer reir al respetable, la misma idea de parearlos sin que se conozcan, etcétera. Pero claro, no siempre el rayo cae dos veces. Aquí cayó, pero en el mal sentido de la palabra: se fundió el cerebro de alguien, creatividad al tacho, amén hermanos la tortura ha terminado. El final no tiene cliffhanger ni ná (no eran nuestros años entonces, todavía), pero casi-casi como que hay un reclamo para secuela, como que te quieren vender que estos personajes te cayeron bien. Por razones obvias, y por suerte, no la hubo. Un "Tango y Cash" es suficiente para perder el tiempo en este mundo.

IDEAL PARA: Analistas y estudiosos que deseen hacer su tesis de doctorado sobre la decadencia de los grandes valores del cine de acción ochentero.

VIDEOS.

-- Trailer de la peli [en inglés, sin subtítulos en español. Pero con Kurt Russell en drag. Ver con precaución, algunos spoilers se deslizan por aquí y allá].



-- Inicio de la peli [en inglés, sin subtítulos en español. Ni falta que hacen, los diálogos son tan clichés que...].

"Batman" (1989).

-- "Batman". Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Tim Burton.
-- Actuación: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger, Robert Wuhl, Pat Hingle, Billy Dee Williams, Michael Gough, Jack Palance, Jerry Hall, Tracey Walter, Lee Wallace, William Hootkins.
-- Guión: Sam Hamm y Warren Skaaren, sobre una historia del primero, basados en los personajes creados por Bob Kane.
-- Banda Sonora: Danny Elfman.

-- "Batman" en IMDb.
-- "Batman" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

Una parejita con un niñito es tomada por asalto. Los ladrones huyen. Cuando se están repartiendo el botín, uno de ellos comienza a hablar acerca del "hombre murciélago" que por ahí ronda. El otro dice que son tonterías, nonsense, cuentos de viejas. Pero su compinche es yeta, porque el murciélago efectivamente aparece. Luego de propinarles una buena paliza, el murciélago tiene el descaro de pedirles un favor. "Dile a tus amigos quién soy yo". "¿Y quién eres tú?". "I'M BATMAN". (Frase después ultraparodiada hasta en SNL, figúrense). Buscando la leyenda del murciélago, una atractiva periodista llamada Vicky Vale (Kim Basinger en sus años de gloria) al que le echa los tejos su colega el perdedor de turno, termina encamándose con el extraño multimillonario Bruce Wayne, sin saber que éste sale por las noches vestido en traje sadomasox... (mujer, por Bastet, si ves a tu tipo durmiendo colgado cabeza abajo en vez de, digamos, tenerlo encima tuyo, ya deberías preguntarte un par de cosas, ¿no?). Cierta noche Jack Napier, un matón al servicio del malvado Grissom, sufre una emboscada por parte de su jefe, quien le ha traicionado por una mujer (siempre las mujeres, ¿lo ven?). Pero Napier sobrevive para transformarse en una criatura terriblemente desfigurada y psicótica, el Guasón, quien quiere venganza del Batman, porque le echa la culpa al murciélago por haberle echado a un caldero con ácido. Ahora Batman está liado de problemas: la periodista encontró tan buena la noche de amor que quiere repetirla, el Guasón anda tras el poder de los bajos fondos en Ciudad Gótica, y además, pretende las curvas de la tal Vale. ¿Ves, Bruce? Todo eso te pasa por tener gustos de viejo solterón raro...

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Desde 1980 que, colgándose del éxito de "Superman" y "Superman II", venía hablándose de una peli de su colega el murciélago con manos. Incluso comisionaron a Tom Mankiewicz, coescritor de "Superman" y guionista de varias Bond movies ("Los diamantes son eternos", "Vive y deja morir", "El hombre de la pistola de oro"), para el trabajo. El asunto no prendió. El proyecto pasó por varias manos, hasta radicarse en las de Tim Burton, el por entonces novel creador de "Beetlejuice". El baile de actores fue abismante. Michelle Pfeiffer era la opción de Tim Burton para Vicky Vale, pero por suerte no prosperó, ya que quedó abierto su camino para Gatúbela en la secuela (todos salimos ganando con eso, porque donde está la Pfeiffer que se quite Anne Hathaway). Sean Young ("Blade Runner") estuvo a punto, pero se quebró practicando equitación para una escena de la película (¡que después fue eliminada!), y el rol cayó en manos de Kim Basinger. Los nombres barajados para el Guasón incluían a Willem Dafoe, David Bowie (¡hey, yo hubiera pagado por ver eso...!), John Lithgow, James Woods, Tim Curry, Robin Williams, ¡Ray Liotta! Y para el de Battie: Mel Gibson, Alec Baldwin, Charlie Sheen, Bill Murray (¿Bill Murray...? Pero... ¿qué se fumaron éstos?), Pierce Brosnan y ¡Tom Selleck! La música original, esa magnífica banda sonora de Danny Elfman, había sido encargada primeramente a John Williams ("Superman", "Tiburón", "La guerra de las galaxias" y secuelas y precuelas). Aunque los jodidos ejecutivos de la Warner decidieron que había que vender la música bien, así es que obligaron a la pobre peli a tragar... ¡Prince! Y nos fue bien: la primera opción era Michael Jackson (que se murió con una cara desfigurada que habría estado más que bien en una galería de villanos de Batman, hmmmmmm...). En definitiva, el "Batman" que hoy conocemos fue el resultado casi mágico o milagroso de un montón de opciones que pudieron haber llevado a un resultado muy diferente, y eso si no al desastre. Un "Batman" que, como hoy en día sabemos, se tomó por asalto la taquilla de una manera impresionante, recaudando la por entonces exhorbitante suma de 411 millones de dólares (superada eso sí por la aún más exhorbitante "Indiana Jones y la última cruzada" con 474), dejando atrás a varias segundas partes que eran consideradas valores seguros para esa temporada ("Volver al futuro II", "Arma mortal II", "Los cazafantasmas II"...). En un mundo en que las pelis de superhéroes todavía eran una cosa rarísima que nadie sabía muy bien si se venderían o no (y de hecho, no se vendieron bien durante todos los '90s, hasta "X-Men" ya amarradito el 2000). Que engendró tres secuelas, una muy superior ("Batman regresa"), una malilla pero entretenida ("Batman Forever") y una bosta con Mr. Frío que te deja helado ("Batman y Robin", y sí, fue un chiste fácil, y qué). Aunque "Batman" hoy en día es universalmente denostada por todos los desgraciaos malagradecidos que la ven como inferior a OHMYFUCKINGGOD "The Dark Knight" cuando en realidad es lo más oscuro y edgie que se podía rodar en una época en donde la conciencia popular acerca del personaje era la serie de televisión de los '60s más la inefable peli de "Batman" con Adam West ("Batman regresa" fue incluso más oscura y deprimente, y un montón de idiotas la criticaron porque "no era para niños"). El "Batman" de 1989 puede ser mejor o peor que la Trilogía del Dark Knight de Nolan, pero no es una cosa o la otra (bueno, los fanáticos dicen que es más mala) porque "no sea tan sicótica", "no sea tan oscura" o "no interprete de manera tan fiel al personaje". Este "Batman" es una propuesta alternativa al personaje, y todo lo consistente que podía serlo con un Tim Burton en su mejor época. Y no dejen que su friki de mierda favorito los convenza de lo contrario y los contagie con su poserismo de mierda, denostando este "Batman" sólo porque sí, porque se puso de moda denostarla: si ellos son frikis de mierda, es porque son unos malfollados a los que el exceso de retención de semen se les ha ido al cerebro, de ahí todas las pajas que se mandan con Heath Ledger. Aunque pedirle tolerancia a un fanático de un personaje tan nietzscheano como Batman es lo mismo que pedírsela a un sionista o un nazi, me imagino.

¿POR QUÉ VERLA?

-- A pesar de ubicarse cronológicamente en 1989, y su estética colorinche es muy de esa década (ese peinado de Kim Basinger, esas canciones de Prince...), lo cierto es que este filme literalmente inaugura los '90s. Y lo hace de manera brillante. Su oscuridad (para la época) y sus valores de individualismo alienado definieron lo que iba a ser el cine de masas, y por qué no, parte importante del independiente y de élite, en esa especie de dark age que fue el cine desde ahí hasta "Mátrix". Gracias a "Batman" fue posible ser oscuro y cool otra vez, después de una década de pelo colorinche y peinados punkies (¡si hasta "Terminator II" de 1992 tuvieron que aclararla respecto de la oscurísima y deprimente "Terminator" original!). Es un valor arqueológico, pero si quieres saber de dónde salió, tienes que verla, no queda otra opción.

-- Presenta un guión inteligente en grado sumo. A través de éste descubrimos una relación casi simbiótica entre Batman y el Guasón: ambos se crearon mutuamente, de manera inadvertida, pero cuando se reencuentran, descubren que se necesitan para poder definirse a sí mismos. Batman lucha contra el Guasón no por sus muy deslavadas ideas de lo que es "el bien", sino por los traumas que carga, que el villano le ha ocasionado en su niñez. Y el Guasón lucha contra Batman porque en verdad es el único oponente que le hace sombra, y que le ha condenado a ser un fenómeno de circo (en su percepción de las cosas). Esto se manifiesta en diálogos soberbios, en donde no sobra prácticamente ni una sola palabra. Muchos criticaron la idea de que el Guasón haya sido quien asesinó a los padres de Batman, pero eso no está mal: no es canónico, o por lo menos no es canónico respecto de los cómics, vale, pero dentro de la peli funciona muy bien (un buen guionista/cineasta no es el que sigue el material original a la pata de la letra como las Santas Escrituras, sino el que lo reelabora de una manera coherente y personal. Pueden citarme a la pata de la letra como las Santas Escrituras en esto). Aunque el Guasón de Jack Nicholson ha sido criticado por payaso después de la soberbia interpretación de Heath Ledger en "The Dark Knight", lo cierto es que en esta peli esa relación simbiótica está mucho mejor desarrollada. En "The Dark Knight" el mal es algo extraño, foráneo a Batman. Acá, el Guasón es casi carne viva del héroe, y eso lo hace más doloroso. Acá la batalla no es por la salvación o perdición de Ciudad Gótica como en "The Dark Knight" (enfoque válido, pero no tiene por qué ser el único), sino directamente una pendencia personal entre los dos, lo que le confiere un nuevo y terrorífico matiz a la peli. ¿Necesitamos a nuestros héroes? Posiblemente sí, pero eso porque no hay en realidad mucha diferencia entre el héroe y el villano, en lo que a trasfondo sicológico se refiere. O de cómo combatir al mal contra el mal. O de cómo si miras demasiado tiempo al abismo, el abismo podría devolverte la mirada, y además, pedir que votes por él en las próximas elecciones...

-- Relacionado con lo anterior: la película da vuelta de campana un lugar común clásico del cine, y en particular del cine Bond, cual es la dicotomía entre héroe hipersexuado (James Bond) y villano con sexualidad perversa. En esta película funciona exactamente al revés: es el Guasón el que es una criatura insaciable de mujeres (tiene a la amante de su antiguo jefe, y se anda buscando otra), y es el héroe Batman el sexualmente reprimido. Y por si el mensaje no queda claro, hay una definición explícita de esto: cuando Batman, armado con su enorme y poderoso avión (que es el símbolo de Batman, pero también es redondo, igual que un óvulo), ataca al Guasón, éste se saca su larguísima pistola del pantalón (literalmente, pero también puede entenderse como metáfora...), y lo derriba a los pies de la catedral de Ciudad Gótica. Elocuente. Es una lectura de psiquiátrico, vale, pero se agradece tener una peli de superhéroes que se permita ser tan cruda respecto a un tema usualmente tan "¡qué la van a ver los niños, horror!" como es la sexualidad. Y sus disfunciones.

-- El elenco está por todo lo alto. En su tiempo se criticó enormemente que el rol del heroico Batman cayera en un tipo canijo y permiplís como Michael Keaton, pero con el paso del tiempo, su interpretación como un Bruce Wayne incómodo con su rol social, y que sólo es feliz asumiendo su alienada personalidad paralela, se ha revitalizado grandemente. Y si no, miren las miserias de roles que con ese mismo material hicieron Val Kilmer ("Batman eternamente") y George Clooney ("Batman y Robin"). Christian Bale lo hizo muy bien por supuesto en la Trilogía de The Dark Knight, pero dicha trilogía funciona en otra cancha, es otro tipo de enfoque sobre Batman, y uno no es necesariamente mejor que el otro, sólo son diferentes. Para el tipo de peli mugrienta, bruta y realista que son "Batman inicia" y secuelas, la interpretación de Christian Bale es perfecta, pero para este enfoque de Batman, que responde un poco más a la lógica del cuento de hadas retorcido y perverso (en particular ese final en la catedral gótica, prácticamente una reversión moderna del viejo cuento de asaltar el castillo para matar al dragón y rescatar a la princesa), el Batman de Michael Keaton está muy bien. En cuanto a Jack Nicholson, su rol del Guasón luce algo deslavado hoy en día, aparentemente no a mucha distancia del interpretado por César Romero en el "Batman" de 1966, y ampliamente criticado por eso. Sin embargo debemos reivindicarlo: Jack Nicholson tenía la dificilísima tarea justamente de hacernos olvidar en 1989 el Batman de 1966, y escenificar a un Guasón mucho más retorcido y siniestro. Y lo logra bien, para los estándares de la época. Si hoy en día luce desteñido no es porque su trabajo esté mal, sino porque hemos corrido el límite mucho más allá. Un Guasón como el de Heath Ledger en el "Batman" de 1989 hubiera sido impensable, y además hubiera rechinado. Para el tipo de peli que es el "Batman" de 1989, Jack Nicholson está muy bien. Bueno, algunos dicen que se interpretó más o menos a sí mismo, porque el bueno de Nicholson peli en que aparece es peli que lo ves con cara de que nada bueno va a salir de ahí. OK por eso, pero como dicen... si funciona, no lo toques.

- El elenco de secundarios está en su salsa. No se puede decir que sea el mejor rol de Kim Basinger, pero no está mal (es básicamente una scream queen, pero si fuera tan fácil interpretar esa clase de roles, entonces todas las pelis de terror serían obras maestras). El venerable Michael Gough, presencia constante de millones de pelis de la Hammer en donde actuaba no pocas veces de villano, es rescatado para un último entrañable rol, interpretando a un Alfred que, dentro de todo lo respetuoso que es, sabe ser sumamente socarrón. Y Jack Palance, a pesar de sus cinco minutos, consigue imponer más presencia que el mismísimo Jack Nicholson (no en balde arrasó al Imperio Romano en el "Atila" de 1953, ahí es nada).

-- El soundtrack de Danny Elfman es mítico. Volvió a hacerlo en "Batman regresa" e incluso se superó. Además, su tema fue más o menos la base del tema de "Batman: La serie animada". Cuando Hans Zimmer y James Newton Howard tuvieron que musicalizar "Batman inicia", entre los dos titanes no fueron capaces de sacudirse por completo el legado musical de Elfman, y fue recién con el soundtrack de "The Dark Knight" que consiguieron dotar a la Trilogía de The Dark Knight con una banda sonora con personalidad propia. Suena algo devaluado hoy en día porque, bueno, Danny Elfman se dedicó después a autoplagiarse hasta el cansancio, pero eso no quita el buen quehacer acá.

IDEAL PARA: Ver una peli de superhéroes filmada con la cabeza y el corazón.

VIDEOS.

-- Trailer de la peli [en inglés, subtítulos en español].

"Cyborg" (1989).

-- "Cyborg". Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Albert Pyun.
-- Actuación: Jean-Claude Van Damme, Deborah Richter, Vincent Klyn, Alex Daniels, Dayle Haddon, Blaise Loong, Ralf Moeller, Haley Peterson, Terrie Batson, Jackson 'Rock' Pinckney, Janice Graser, Robert Pentz, Sharon K. Tew, Chuck Allen, Stefanos Miltsakakis.
-- Guión: Kitty Chalmers.
-- Banda Sonora: Kevin Bassinson.

-- "Cyborg" en IMDb.
-- "Cyborg" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

20 minutes into the future. El mundo se ha ido al carajo. Tan al carajo, que ni para una producción decente alcanza, porque esta peli es producida por... ¡¡¡LA CANNON!!! Una parejita es perseguida por una banda de motociclistas chaquetacuero semipunkies que, como sabemos por las pelis ochenteras del género, son las criaturas más malvadas de cualquier universo postapolíhticoh que se precie de tal. Después del consabido diálogo "somos los buenos, queremos salvar a la Humanidad" / "No, porque soy malo", el pobre desgraciao la palma, y la chica queda al garete. Cuando están a punto de cargársela, aparece... ¿Chuck Norris? Bueno, esto es una peli de la Cannon, OK por eso, pero no, a pesar de eso, no es Chuck Norris quien aparece (sorprendentemente, el director Albert Pyun lo quería a él de prota, por lo que sospechamos que le tenía una bronca espectacular, mira que insistir para que viniera a protagonizar su mierda de peli). El que aparece es... un minuto, déjenme consultar la interné muvidatabéis para ver cómo se escribe el macho... mmmm... ahí está. Jean-Claude Van Damme. Al poco tenemos el esquema armado: la chica es la respuesta para toos los problemas de la Humanidad por esto-o-aquello (por cierto, en una decisión claramente errónea de guión, ELLA es la cyborg del título y no él... es como si la de Terminator se hubiera llamado Sarah Connor... aunque, un momento...). El caso es que tenemos a... a... ¿Cómo se escribía? Bueno, no importa, lo diré on my own way. El caso es que Yancló Fandán se pone a escoltar a la chica, a veces se la secuestran, a veces la rescata... Lo típico. Hasta la batallita final. Que por ser una de la Cannon, está rodada con unos escenarios de lástima y too, pero bueno... ¿ya les dije que esta peli, la Cannon la rodó y estrenó DESPUÉS DE IRSE A LA BANCARROTA...?

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Todos los que nos hemos metido en esto del cine hasta quedar hasta las ñordas de... bueno, de ñorda, sabemos lo que la Cannon es. Ese temible nombre detrás de subproductos como "Fuerza maldita" (creativo reworking del título original "Lifeforce"), "Fuerza Delta" (caray, les gusta esto de la fuerza), "Invasión USA", "Amos del universo"... Y ésas son las buenas, así es que, qué queda para el resto. El caso es que contagiados del espíritu Chuck Norris (y Charles Bronson en menor medida), la Cannon se había embarcado en... ¡¡¡SUPERPRODUCCIONES!!! Claro, parece que a estos pringaos nadie les dijo que las superproducciones requieren... bueno, presupuesto. Así es como salieron pelis de vergüenza ajena y rodadas con vales de cambio en su restaurante favorito, como la mencionada "Amos del universo" o "Superman IV" (sí, la misma de los fatídicos "te veo en veinte"). El caso es que estos tipos se embarcaron al mismo tiempo en una secuela de "Amos del universo" (tercera mención en un mismo párrafo... habrá que verla para postearla, parece) y en un proyecto para producir... ¡¡¡SPIDERMAN!!! Qué les hacía pensar que con Spiderman iban a tener más éxito que con Superman, lo ignoro. La fe del carbonero, supongo. El caso es que comprometer presupuesto para estas dos pelis fue demasiado para las exhaustas arcas de la Cannon, cuyo ámbito natural siempre habían sido pelis serie-B de vengadores, de ninjas, de cienciacutreficción, que no rentaban mucho pero tampoco gastaban mucho... Y se fueron a la quiebra. Y con lo que había para AMBAS PELIS (la de He-Man y la de Spider-Man...), agarraron todo eso (vestuario y cosiacas así) y rodaron "Cyborg". Lo que nos genera la siguiente angustiosa duda existencial: si "Cyborg" con todo su aspecto francamente de baratillo y lo lastimoso de sus escenarios y sus (ejem) efectos especiales, se chupó TODO lo que sobró de AMBAS producciones, quiere decir que éstas se habrían llevado cada una LA MITAD de lo que costó "Cyborg"... ¡Leñe, por ese Spider-Man de mierda yo hubiera pagado por ver! ¡O por un He-Man AÚN MÁS POBRE Y CUTRE que el "Amos del universo" original (y único a la fecha de escribir esto)! Aunque de todas maneras, a manera de reflexión final, con el mismo argumento se rodó un remake bastardo (o mejor dicho, se escribió una novela que es un remake bastardo) llamado "Misión Babilonia", con un presupuesto enormemente más holgado, y que no mejoró sensiblemente los resultados, que digamos. Debería tomar nota mental de eso antes de seguir metiéndome cine cyberpunk entre pecho y espalda...

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

-- Partamos por el poder del pensamiento positivo. Esta peli fue la que puso a Yancló Fandán en el mapa cinematográfico, junto con... er... a ver... Bueno, la peli originalmente se llama "Bloodsport", pero acá en castellano la tradujeron con nombres tan variopintos como "Contacto sangriento", "El gran dragón blanco" o "Retroceder nunca, rendirse jamás 3" (¡¡¡!!!). Yancló Fandán hace lo que sabe hacer (patadas, fundamentalmente), y lo hace la mar de bien, eso nadie se lo niega. ¿Actuar...? Bueno, nadie contrata a Yancló para disputarse un calvo dorado en la quina de los Oscares... El pobre tuvo una pequeña edad de oro y después anduvo a tantos tumbos, que acabó rodando "JCVD" teniendo que burlarse de sí mismo para tener algo con qué comer. ¡Y el id... er... el venerable pasó de rodar "Los indestructibles"! (Bueno, dicen que va para "Los indestructibles 2"). O sea, esta peli tiene un valor histórico innegable. Si es que ustedes son historiadores, claro.

-- Y listo. Terminamos. Porque... ¿qué más se le puede sacar a la peli? ¿Sus putrefactos decorados? ¿Sus actuaciones que rozan lo mongólico? ¿Su guión de mierda con diálogos risibles? (Espero que eso de que la guionista se llame "Gatita", sea alguna clase de chiste pervertidillo, por mi propia salud mental). ¿Sus (nulos) efectos especiales? Bueno, la acción. Barata y sin mucha enjundia, pero algo salva la papeleta. Algo. Muy poco. Hoy en día, yo podría ir y agarrar mi cámara y rodar lo mismo, y me saldría más o menos igual, con el agravante de que yo soy apenas un gato detrás de un teclado, no un productor de Hollywood (y no me digan que si eres tan bueno, por qué no lo haces: dije que podía hacer una igualita a esta cosa, no que podría hacer una buena peli, y si no va a ser buena, pues entonces pa'qué...).

IDEAL PARA: Cannónvoros, fanáticos de Jean-Claude Van Damne... (¡lo escribí bien! ¡Oh...! Eh... oh-crap...), amantes de la casquería ochentera o cyberpunk, espectadores muy arrojados y con muy poco respeto por su propia corteza cerebral...

VIDEOS.

-- "Jean-Claude Van Damme se ha vuelto el primer héroe del siglo XXI"... Trailer de la peli [en inglés, sin subtítulos].

"Condena brutal" (1989).

-- "Lock Up" (título original en inglés), "Encerrado" (título en España). Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: John Flynn.
-- Actuación: Sylvester Stallone, Donald Sutherland, John Amos, Sonny Landham, Tom Sizemore, Frank McRae, Darlanne Fluegel, William Allen Young, Larry Romano, Jordan Lund, John Lilla, Dean Rader-Duval, Jerry Strivelli, David Anthony Marshall, Kurek Ashley.
-- Guión: Richard Smith, Jeb Stuart y Henry Rosenbaum.
-- Banda Sonora: Bill Conti.

-- "Condena brutal" en IMDb.
-- "Condena brutal" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

Frank Leone es un buen chato que ha caído en las grietas del sistema. Es que lo ves tan campechano y simpático, ni te crees que este pobre desgraciao en realidad es un ¡¡¡ASESINO BRUTAL!!! Bueno, tan brutal no, se supone que la cosa fue accidente, pero ya saben cómo es América, que si no eres O.J. Simpson... El caso es que después de su salida dominical debe volver detrás de las rejas, en donde todos los presos lo quieren y sus gendarmes lo saludan por nombre, y suponemos que el médico le habrá prohibido el café, o le traerían una tacita de cortesía, pobre tipo, si es que debe ser tan malo estar encarcelado. El caso es que un día cualquiera, faltándole seis meses para cumplir su condena, por esos entresijos aquí y allá del sistema, lo sacan violentamente con guardias armados, lo meten a un furgón, y a otra cárcel se ha dicho. En esta otra, es que ríete de la de Prison Break, porque en la nueva cárcel sí que son jopús, con prisioneros que son la escoria de la escoria de la escoria, y vigilada con mano de hierro por el malvadísimo herr Warden Drumgoole, que hasta el nombre te da mala quina. ¿La razón? Hace un tiempo atrás, Frank Leone se fugó de la cárcel que vigilaba Warden Drumgoole, rompiendo su récord perfecto, así es que a Warden lo pusieron en el agujero del culo del sistema carcelario... y en venganza... ¡¡¡HA TRAÍDO A DICHO AGUJERO A FRANK LEONE, EN DONDE LE HARÁ LA VIDA IMPOSIBLE HASTA REVENTARLO PORQUE... YO... SOY... EL SISTEMA!!! ¡¡¡MUAHAHAHAHÁ!!! ¡¡¡MUAHAHAHAHÁ!!! Ahora, Frank Leone pasará los seis meses más difíciles de su vida, buscando no caer... porque si lo hace, serán otros tantos años de sentencia en las manos de Drumgoole... ¿conseguirá nuestro malvado Donald Sutherland quebrarle el espíritu a Sylvester Rambo Rocky Stallone...?

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Aunque ustedes no lo crean, había una época en que Sylvester Stallone era una estrella. Después de "Rocky" y "Rambo", podía darse el lujo de hacer cosas como "Cobra" y nadie le iba a decir que este huevo lo tienes hinchado. De esta manera, fue llamado o se interesó (las leyendas son vagas al respecto) en hacer esta peli de un género maldito en Hollywood: el carcelario. Y no es que la gente no pague por ver pelis de cárceles, en particular si son cárceles de mujeres con abundantes escenas de duchas de tías en bolas (por alguna razón, en esas pelis no hay prisioneras viejas, gordas ni planas, y eso que se supone son la hez de América). Las pelis de cárceles son un género maldito porque no hay posibilidad de crear franquicias, ya que al final pasa una de dos cosas: 1.- El tipo sale porque se fuga o porque cumple su condena, no tiene sentido hacer una secuela (bueno, hicieron "La fortaleza 2: Reentrada"). 2.- El tipo no se fuga, entonces muere adentro y vaya mierda de peli, por no hablar de que chao secuela. En Prison Break intentaron demostrar que se podía lo contrario, y ya ven el cagazo que quedó. Pero, ¿creen que esto iba a detener a... RAMBO? ¡No, señores! Porque Sylvester Stallone ha rodado a la fecha no una, sino DOS pelis de evasión carcelaria (en mi censo particular al menos, la otra es "Escape a la victoria"). Debemos aplaudir a Sylvester Stallone por esa vocación de arrostrar el peligro cinematográfico sin mirar las consecuencias. Porque el resultado es... bueno, ésta es de las pelis buenas de Stallone.

¿POR QUÉ VERLA?

-- "Condena brutal" tiene todo lo que nos gusta del cine ochentero. O sea, un tío muy bueno, que habrá sido criado con ratas y vagabundos, pero aún así es buena gente el individuo, y al lado un carajo del demonio al que es fácil odiar y tirar escupitajos, para que al final, cuando el bueno se cabree y vaya a por él como una máquina de matar imparable, aplaudamos a rabiar porque ahora sí que sí viene la justicia a imponerse en lo suyo. Y de verdad que el jefe de la cárcel es un cabrón de cuidado, que es de verlo y odiarlo (excelente casting y actuación de Donald Sutherland en el rol). La peli tiene un argumento bien hilvanado, en donde a cada minuto estás preguntándote con qué putada nueva va a salir el desgraciado, y sí, se las arregla para que la vida de Sylvester Stallone sea el infierno en vida. No se puede decir que esta peli sea una joya ni la revolución fílmica, ni mucho menos, y por supuesto que tiene algunos tics propios del cine ochentero, con un héroe tan prototípicamente ochentero como Sylvester Stallone, y siguiendo por la banda sonora del también ochentero Bill Conti, pero tiene una generosa dosis de adrenalina, y ves crueldad de verdad, no esa medio sanitizada con violencia estilizada, sino la que nace de tipos verdaderamente cabrones chingasumadre a los que dan ganas de ver muertos al final del espectáculo. Y es poco más lo que se puede decir, sin destripar el argumento y su progresión ascendente hacia un final tan electrizante como probablemente inesperado (no, no es el final más obvio de todos, créanmelo, y no diré más al respecto). En resumen, si te gustan las pelis carcelarias, ésta es prácticamente un must-see. Y si te gusta el cine palomitero en general, pues probablemente también.

IDEAL PARA: Ver una peli carcelaria con nervio.

VIDEOS.

-- Trailer de la peli [en inglés, sin subtítulos].

"Indiana Jones y la última Cruzada" (1989).

-- "Indiana Jones and the Last Crusade". Estados Unidos. Año 1989.
-- Dirección: Steven Spielberg.
-- Actuación: Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody, John Rhys-Davies, Julian Glover, River Phoenix, Michael Byrne, Kevork Malikyan, Robert Eddison, Richard Young, Alexei Sayle, Alex Hyde-White, Paul Maxwell, Isla Blair.
-- Guión: Jeffrey Boam, basado en una historia de Menno Meyjes y George Lucas, sobre los personajes de este último y de Philip Kaufman.
-- Banda Sonora: John Williams.

-- "Indiana Jones y la última Cruzada" en IMDb.
-- "Indiana Jones y la última Cruzada" en la Wikipedia en inglés.

¿DE QUÉ SE TRATA?

1912. Un chico boy scout de pronto hace un descubrimiento: ¡malvados ladrones de tumbas como él mismo lo será años después, están tratando de hacerse con la Cruz de Coronado! Pero por supuesto que no les dejará salirse con la suya. Aunque tenga que hacer buenas todas las proezas que tanto harán por magullarlo en su vida adulta. Y una vez que lo ha logrado, va hacia papi para que lo auxilie, y el desgraciao lo único que hace es ponerlo a contar de 1 a 20... en griego. Y cuando el otro empieza "ένα, δύο, τρία...", es interrumpido por el sheriff, que trabaja para el ladrón de tumbas en primer lugar. Damn it. Pero no importa: aunque le arrebatan la Cruz de Coronado, el ladrón de tumbas le da algo más importante, que es la confianza en sí mismo, etcétera, algo que le servirá mucho para arrostrar caídas, golpes, torceduras, magulladuras, ETSs, etcétera, en lo sucesivo, a... ¡Indiana Jones! Que años después todavía sigue obsesionado con tratar de hacerse con la Cruz de Coronado. Para cuando termina la dichosa batalla por la condenada Cruz (perdóname por la blasfemia, si existes, Oh, Señor de los Cristianos, utilizo el adjetivo "condenada" para describir a la reliquia y no a la Cruz en sí, claro está), ya hay un nuevo assignment. Un importante donante de la Universidad le pide su ayuda para desentrañar ciertas pistas alrededor del misterio del Santo Grial, cuyo rastro se pierde en Venecia después de que un experto enviado allá desapareciera sin dejar rastro. Indiana Jones, que a estas alturas del partido está harto del papi que no le sacaba las castañas del fuego cuando crío, le dice que se dirigió al Jones equivocado, que el Jones del Grial es su padre. Sí, le dice el donante, resulta que ese es el experto que desapareció sin dejar rastro. Ahora, Indiana Jones está a la búsqueda de la reliquia más importante de todos los tiempos. ¿El Santo Grial, el cáliz de la Ultima Cena, la copa en que Jesucristo bebió la sangre que será derramada por todos vosotros, el más importante legado arqueológico de la Cristiandad a la posteridad...? ¡Por supuesto que no! ¡Me refiero a Sean Connery!

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Cada una de las Indiana Jones anteriores ("Los cazadores del Arca perdida" e "Indiana Jones y el Templo de la Perdición") había nada menos que decuplicado su valor. Claro, eran las cosas que se conseguían cuando rodabas blockbusters con 20-50 millones de presupuesto, por mucho ajuste de inflación que le metan, en vez de engolfarte con 200-250, que los ingresos se mantienen más o menos lo mismo, pero el margen de utilidades es cada vez menor. Pensar en una tercera no era cuestión de si sí o no, sino de cuándo. Pero Steven Spielberg se resistía a regresar, en particular después de lo disconforme que quedó con esa especie de terapia psicológica antidivorcios que fue poner a Kate Capshaw de fémina histérica en "Indiana Jones y el Templo de la Perdición" (y después se casó con ella, cabrón...), y fue después de mucho convencimiento de que consiguió regresar. George Lucas, para variar, trataba de meter idea tras idea chorra. Concretamente, el Santo Grial en una casa embrujada de Escocia como prólogo para la peli principal. Steven Spielberg tuvo el buen olfato de darse cuenta (lo que cualquier persona con dos dedos de frente ve, en todo caso) que el Santo Grial era lo suficientemente potente para que fuera el plato de fondo, que si pones al Santo Grial de prólogo y después al pergamino en que se firmó la independencia de Liberia después, es como poner a los Rolling Stones como teloneros de David Hasselhoff. Además, la saga de Indiana Jones se beneficia con la acción a todo trapo en espacios abiertos, justamente lo que una trama de casas embrujadas se cargaría en dos tiempos (ahí tienen "Indiana Jones y el Templo de la Perdición", con su imposible palacio-catacumba-templo-mina-desfiladero todo por el precio de uno). Finalmente, Steven Spielberg decidió que ya estaba bueno de homenajear al cine clásico de aventuras norteafricanas ("Los cazadores del Arca perdida") ni al subgénero del imperialismo británico en la India ("Indiana Jones y el Templo de la Perdición"), y ahora tomarían todos los elementos de la mitología Indiana Jones y harían una peli que se sostuviera por sí misma más allá del homenaje, sin referentes externos. Así es que, sin rubor alguno, le metieron Jones por dos: Indiana Jones y su padre. Y como Steven Spielberg había rodado Indiana Jones para tener su propio James Bond, resulta que llamó al James Bond único y original, a Sean Connery himself, como papi de Harrison Ford (a pesar de que Connery es apenas 12 años más viejo que Ford... ¡misterios de Hollywood!). El resultado fue un peliculón que dejó la vara tan alta para Indiana Jones, que a pesar de reventar la taquilla en el mismo año que atacó "Batman", ahí es nada, se tardaron otros 19 años en rodar una cuarta parte, y cuando llegó ésta, fue la más normalita "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal".

¿POR QUÉ VERLA?

-- Mientras que "Indiana Jones y el Templo de la Perdición" e "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" son pelis de aventuras y punto, y "Los cazadores del Arca perdida" es una grandiosa peli de aventuras, "Indiana Jones y la última Cruzada" es una grandiosa peli a secas, de lo mejor que ha salido de Hollywood y de la entera industria del cine desde 1895 a la fecha. Sigue siendo una peli de aventuras y un folletín en toda regla, eso de acuerdo, pero ahora la tripleta Spielberg/Lucas/Ford (bueno, ellos y John Williams en el soundtrack, y Douglas Slocombe en la magnífica fotografía, y Pat Roach en los cameos, y vaya uno a saber qué otro esforzado y anónimo héroe más, que ésos no suelen salir en las noticias...) está tan a caballo con el personaje y su universo narrativo, que lo aprovechan para verter ideas mucho más profundas. El Santo Grial sigue siendo un mcguffin, algo puesto para que los buenos y los malos se den tanda mutuamente hasta el shootdown final, pero a diferencia de "Los cazadores del Arca perdida" e "Indiana Jones y el Templo de la Perdición", en donde el Arca o las piedras Sankara eran poco más que eso, acá se transfigura, nunca mejor dicho, un poco en plan "Excalibur", en la metáfora de la búsqueda misma. Mientras que el Arca de la Alianza representa la Furia de Dios, y las piedras Sankara son ambivalentes (sirven para el bien en buenas manos, para el mal en malas), el Grial es una especie de espejo de lo mejor del alma humana. Como bien apuntan cada uno en su momento, Marcus Brody y Sean Connery: la búsqueda del Grial representa en realidad la prosecusión de lo mejor que posee el ser humano, su más elevado y sublime instinto. No por nada, Richard Wagner se despidió con el "Parsifal", que iba de lo mismo, y la leyenda artúrica no sería más que una aburrida crónica de espadachines dándose de mandobles si no estuviera el jodido Grial de por medio (y por Robert Langdon y "El Código Da Vinci" ya no hablemos, que por algo rodaron ésta antes que "Angeles y demonios" a pesar de que cronológicamente iba la otra primero). Interesantemente, el propio Indiana Jones no está interesado en el Santo Grial, y lo rechaza por comprensibles razones: es la obsesión de su padre, y él quiere distanciarse de éste todo lo que puede. Eso, mientras que el resto de los personajes lo quiere por motivos distintos: Henry Jones porque lo considera un símbolo de iluminación, la científica porque es un tesoro o un trofeo, el villano principal porque es el pasaporte a la vida eterna, los nazis porque es un emblema de poder. El Santo Grial se eleva entonces de su condición de mcguffin y pasa a ser un reflejo de lo mejor y de lo peor del alma humana, una bellísima metáfora acerca de los sueños, del desarrollo personal, y qué cosas nos hacen falta para llegar a ser seres humanos completos. ¡Y todo esto, en una peli palomitera de las que se supone echan a las cinco de la tarde como programa de matiné para los niños en la tele abierta! Ojalá el grueso de las pelis consideradas como "buenas" fueran tan nobles, reflexivas, profundas y espirituales como lo es este simple "entretenimiento palomitero", probablemente la mejor peli que Steven Spielberg va a rodar jamás, muy superior a lo que el 99% del resto de los directores filmará nunca, y a la altura de los grandes clásicos de Hollywood de toda la vida. Después de esto, es comprensible el castañazo de "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal": es que después de esta peli ya nada quedaba por contar del universo de Indiana Jones, salvo nuevas aventuras, ahora sí palomiteras y punto, y por lo tanto era imposible contentar a una audiencia insaciable por mucho Spielberg y Ford y Lucas que le echaran de nuevo a la parrilla.

-- Este es uno de los mejores elencos que se ha visto en Hollywood jamás. Muchas pelis se resuelven porque el prota está brillante, y algunas menos porque el prota y el antagonista lo están. Pero muy pocas pelis presentan un elenco en donde TODOS están ajustados y brillantes en sus roles. Harrison Ford es el prota indiscutible, pero a estas alturas ha asimilado a Indiana Jones hasta convertirlo en una segunda piel, y lo ha hecho evolucionar desde el cínico arqueólogo de las primeras, hasta un tipo debatiéndose con sus propias dudas y demonios internos, sin caer en la exageración lastimeramente existencialista de tipo "¡miserable de mí y de mi existencia!", sin abandonar la socarronería propia de su personaje. Ponerle a su lado un titán como Sean Connery como su padre era todo un reto, pero ambos se complementan la mar de bien. La verdad es que los momentos en que Sean Connery hace el tonto son de lo peor de la peli y le hacen más daño que bien al resultado final, pero cuando el guión deja de ponerlo como abuelete torpe y lo deja respirar, Sean Connery interpreta su personaje con una majestad y dignidad que resultan arrolladoras (dicen mucho de Harrison Ford que consiga mantenerse en pie frente a esa tempestad). La escena en la que Connery cree muerto a su hijo es, en menos de cinco minutos de peli, más cine de lo que se pueden encontrar en filmografías completas. Denholm Elliot, por su parte, como Marcus Brody (uno de sus últimos roles, porque era bisex, y serlo en los '80s implicaba muerte casi segura por SIDA, como fue su triste caso), ve ampliado su papel de simple amiguete universitario de Indiana Jones, y ahora está de lleno en la acción, aportando humor fino por un lado, y sentido común por el otro, frente a la pasión desbordante y antagónica de los dos Jones. Alison Doody por su parte hace el rol de su vida, recorriendo de manera convincente todo el espectro entre chica sensual, mujer de hielo, científica preocupada, y mujer ambiciosa, convenciendo en todo momento y sin despintarse nunca, y uno puede buenamente preguntarse cómo es que su carrera actoral no remontó después. John-Rhys Davies, por su parte, compone un Sallah (el amiguete árabe) tan entrañable como en "Los cazadores del Arca perdida", e incluso más, y rompe por completo el estereotipo racista que suelen acompañar a estas producciones de "yanki arreglando papeletas en país extranjero". Julian Glover, por su parte, como el sinuoso Walter Donovan, es probablemente el mejor villano de toda la saga de Indiana Jones, y vaya que esta saga los tiene (Belloq, Mola Ram, Irina Spalko...), un tipo que actúa su maldad con tanta naturalidad que sólo consigue hacerse aún más despreciable si es que cabe. El joven Indiana Jones fue obra de River Phoenix, fallecido de manera trágicamente prematura algunos años después, y que es el único Indy que ha conseguido ponerse a la altura de Harrison Ford (a diferencia de los de "Las crónicas del joven Indiana Jones", que pugnaban muchas veces en vano por mantenerse a flote con un personaje tan harrisonfordesco como éste). Michael Byrne compone al clásico nazi malo y sádico, y se nota cómo gozó Spielberg matándolo (uno de los placeres de ser judío es disfrutar cargándose nazis, que en "Los cazadores del Arca perdida" había atropellado a algunos con un jeep, y en ésta los atropella con un tanque, para que queden bien apisonados contra el suelo). Y los secundarios, TODOS ELLOS, están ideales para darle la réplica a cualquiera de los principales. Interesantemente, ninguno de estos actores (salvo Ford y Connery, que ya eran estrellas antes de) ha tenido más que carrera actoral de medio pelaje: injusticias de Hollywood.

-- El guión. Si no es un guión perfecto, está cerca de estarlo. Tiene algunas pifias lógicas garrafales (no se terminan de entender del todo los motivos de meter a Indiana Jones en el lío si es que los villanos ya podían hacerse del padre, aunque a esas alturas del tinglado ya hemos tenido tanta acción que se nos pasa colado ese giro absurdo de la trama). Pero los diálogos son simples, esquemáticos, incisivos y precisos, y con pocas palabras ayudan a delinear un personaje de cuerpo entero. Las situaciones se encadenan de manera lógica y al mismo impredecible. Y ya hemos destacado el magnífico tratamiento de personajes respecto de su relación con el Santo Grial. La secuencia de las pruebas finales es simplemente escalofriante, y uno no adivina primero cómo van a ser, y cuando uno está en el tinglado, no acierta a adivinar cómo se van a resolver (sí, en la tercera prueba hay trampa, pero bueno, es una de aventuras y en éstas siempre cuenta el "más imposible" a fin de cuentas).

-- John Williams. El hombre podrá ser popular por sus magníficos soundtracks para "La guerra de las galaxias" o "Superman", cada uno de los cuales le tiene garantizada la posteridad por derecho propio, pero es probablemente aquí donde se supera a sí mismo. En realidad, en todas las pelis de Indiana Jones ha sido un tanto flojito para componer (apenas un par de temas reconocibles en cada peli, sobre los cuales va haciendo variaciones, y uno de éstos es la omnipresente "Raiders March"), pero acá... El tema del Arca de la Alianza en "Los cazadores del Arca perdida" era ominoso y decía mucho sobre la furia de Dios, y la marcha pseudohindú de "El Templo de la Perdición" cumple con ser aventurera, pero aquí, el tema del Santo Grial, que utiliza los instrumentos de cuerdas casi como si quisiera imitar un coro gregoriano (apropiado: estamos en una peli que va de cruzados guardianes del Grial), alcanza una calidez y una tranquilidad mística insuperables. Escuchamos esas notas de Williams, y sentimos que el Grial es en verdad algo que nos hace trascender de nuestra propia condición humana, participar de algo divino y más grande que nosotros mismos. En pocas palabras: el tema de John Williams para el Arca de la Alianza te infunde lo divino por el temor, mientras que el tema de John Williams para el Santo Grial te infunde lo divino por la ensoñación. ¿Se puede ir más lejos en la búsqueda de la belleza en cuanto tal, a la hora de componer una banda sonora para una peli...?

-- Grandes secuencias. Bueno, casi toda la peli. La secuencia inicial con River Phoenix, claro está, un estupendo chiste para los fanáticos de las dos anteriores al revelarnos como Indiana Jones consigue todos sus atributos clásicos (el látigo, el sombrero, etcétera). Toda la persecusión en Venecia (sí, Steven Spielberg otra vez sacándose el gustito de hacer una de James Bond, y no sé por qué tengo la idea de que quiso hacerla en Venecia para imitar una persecusión en idéntica ciudad en "Moonraker", que era la última entrega de 007 a la fecha de rodar la primera de Indiana Jones; recordemos que el sueño frustrado de Spielberg por el que se metió en Indiana Jones era rodar una Bond)... La secuencia del tanque en pleno desierto, que hace el imposible de alcanzar el nivel de la persecusión en el desierto de "Los cazadores del Arca perdida". Y las pruebas finales antes de llegar al Grial, claro está.

IDEAL PARA: Ver la mejor peli de Indiana Jones, una de las mejores pelis de aventuras, y una de las mejores pelis sobre la eterna ansia del ser humano por saber qué hay al otro lado de nuestra existencia.

OTRAS PÁGINAS SOBRE "INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA":

-- "Steven Spielberg: 'Indiana Jones y la última cruzada', la humanidad del héroe" en Blog de Cine.

VIDEOS.

-- Trailer de la peli [en inglés, sin subtítulos].